Presentaciones

Pablo Picasso 1973-2013

Este museo virtual representa el esfuerzo continuo de los miembros del grupo de docencia-investigación y creación artística: Estudio de Arquépoética y Visualística Prospectiva por permanecer desbrozando caminos nuevos, que nos sorprenden y nos conmueven, proponiendo metáforas conceptuales y visuales de las creaciones poéticas del patrimonio universal de la humanidad. No sólo se muestran sino se recrean, evidenciando rigor metódico en la investigación y brindando visiones que trastocan nuestro espíritu, retomando profusamente la premisa filosófica de enfatizar los valores del pasado y del futuro, imaginando y esculpiendo radicalmente nuestro presente. Develar a Pablo Picasso de esta manera, es sin lugar a duda, caminar con él por el destino propio.

Quien se adentre en esta propuesta nos sólo beberá de los origenes y las rutas de la historia del arte visual de occidente, también podrá brindar por la alegría de vivir reinventándose con la pasión de la razón y la bondadosa sonrisa del conocimiento.

Dr. Marco Vinicio Ferruzca Navarro
Jefe del Departamento de Investigación y Conocimiento

La ArquéPoética y Visualística Predictiva de nuestro Pablo Picasso

Cuando Pablo Ruiz tenia doce años su progenitor y primer maestro le cede los pinceles que el de su padre heredo, tradición procurada por sus ancestros los autores de las míticas iconósferas de la cueva de Altamira.

PICASSO El VISIONARIO AMANTE DE PROFUSOS E IMAGINATIVOS DIÁLOGOS, EL CULTOR DE TODA CULTURA.

El Malagueño de París y del mundo dijo: Yo encuentro sin buscar, Yo hice el arte moderno reimaginando expresiones milenarias de oriente y occidente, me robé el pasado y lo vendí como algo inédito e inusitado, Yo, desde mi amarga ironía ibérica convertí los valores del pasado en los precios del futuro. Yo, Pablo Picasso Ruiz dibujé con luz en el espacio lo que no será mercancía pero será el origen de la otredad, de la preeminencia de las emociones y la razón.

PABLO PICASSO HIZO CON LA LUZ Y LAS SOMBRAS TALISMANES, ELÍXIRES, GEMAS, ATAVÍOS, HABITACIONES Y ENTRAÑABLES VISIONES.

Su Poética prospectiva y su poesía visual nos enseñan a beber con los ojos, escuchar con las manos, palpar con los labios, iluminar con el torrente sanguíneo, esculpir aromas y perfumes, transpirar soles, respirar sinfonías, y dibujar con la mente el milagro del futuro. Su arte visual de osadas sinapsis es la gran paráfrasis que vitalizara a las futuras culturas.
Sus paráfrasis son interpretaciones y explicaciones que tienen la misión de hacer más diáfano y comprensible el devenir y el porvenir.
Al rescate y a la revalorización de las visiones de los antecesores se le ha denominado Renacimiento, renacimientos que son la conjunción de experiencias anteriores de las cuales se extraen respuestas pertinentes. Las interpretaciones de las culturas antecedentes son formas de aprendizaje y de continuidad, de reconocimiento en el otro, de identificación, de auto actualización, de convergencia y reafirmación, son lo que le da sentido al término referentes.

La voluntad y la memoria son los vectores del dialogo inmanente con otras sensibilidades con lejanas generaciones.
Los renacimientos son: paráfrasis culturales, son la versión e interpretación de otros paradigmas, las expresiones del Egeo son las sinapsis y paráfrasis de las manifestaciones del Asia Menor y el Medio Oriente; la visión Latina es la isomorfía y traducción de la visión Helénica, la Islámica es la reinterpretación de los matices y resonancias de la Latina, y la Itálica es el meta reflejo de la Islámica… el autor Pablo Picasso realizó a través de reimaginaciones, de metáforas y perceptualizaciones la extensa, la monumental síntesis de la historia universal del arte visual.

Las memorables paráfrasis de Picasso son el espejo propio, el escenario de diversas cosmovisiones donde convergen los iconos y los eventos de la existencia. son proyección e introyección, diástole- sístole hacia fuera y hacia dentro; se sumergen en el tiempo para emerger y ahondar en la alteza, en la ancestral cima profunda del ser. Picasso es un cultor de místicas, es un pertinaz pensador que construye, al destruir y deconstruye al reconstruir, amalgama fusiones, armoniza lo adyacente amén de lo distante, testifica las transformaciones de esta realidad, así como de otras realidades y de otras naturalezas.

La infinita obra de Picasso nos ha enseñado a comunicar e imaginar a través del conocimiento.

Roberto Real de León

Yo imagino a la orilla de sus ojos

Encontrarse con una entidad como lo es Picasso es una experiencia compleja. La información que abunda sobre el ser, el personaje, las historias, las obras, las reseñas, los chismes, que no hacen más que alimentar visiones diversas, a veces encontradas, tanto sobre el propio ser como sobre su obra.
Mirar las pinturas de Picasso es difícil; desde una perspectiva ingenua, inocente, sencilla la fuerza de los rasgos y la diversidad de trazos, colores y hasta estilos requiere del valor del acercamiento sin juicios previos, hasta sin información previa para experienciar lo que es, sea lo que sea que es.

¿Qué nos hace valorar el fecundo y abundantísimo trabajo de Pablo Picasso? ¿lo que sentimos, lo que sabemos, el nombre, la cédula de la obra, las opiniones de los críticos e historiadores del arte, el recinto en donde se exhibe?

¿Cómo establecer contacto cognitivo y emocional con imágenes que trascienden la representación histórica aprendida de la realidad, aun más intensa, a veces, que la experiencia propia?

¿Cómo hace Pablo para imaginar las figuras de sus obras? ¿en dónde nace su inspiración? ¿cómo transita de lo figurativo al cubismo, a la fantasía, a la apropiación, a las transmutaciones en excelencia de la forma de su tiempo?

Reconocer los referentes de muchos de los trabajos de Picasso en grandes, enormes obras de otros autores permite entender y valorar la importancia de la visión, de las visiones en el sentido de la peculiares maneras de percibir y construir de cada individuo. Rembrandt, Van Gogh, Cranach, Tiziano, El Greco, Velázquez, Degas, Renoir, Courbet, Poussin, Champaigne, Bacon , Ingres, Matisse, Cross, Lichtenstein, Goya, Manet, son sólo algunos de los autores en los que pueden identificarse los orígenes que, al ser mirados con pasión y certeza del su tiempo presente, posibilitan a Picasso el aprender y trascender el tema a través de paráfrasis, interpretaciones llevadas a veces al delirio, de un espíritu incansable, obsesivo y lúcido.

El museo Pablo Picasso cuarenta años de inmortalidad, honra esos encuentros, asumiendo la herencia del trabajo arduo para ofrecer múltiples entradas visuales a tantas y tantas obras del autor más fecundo y nutritivo del siglo XX. A cuarenta años de dejar de existir, pervive a través de su obra, su legado se mantiene vigente y es, como la de los grandes maestros, motivo de aprendizaje e inspiración posibilidad de la experiencia y el disfrute estéticos.

Julia Vargas Rubio

La sensibilidad espacial de Pablo Picasso

El fotógrafo Gjon Mili en 1949 realizó una serie de fotografías de los "dibujos de luz" hechos por Picasso, en esta unión técnica y artística sucede algo peculiar y paradigmático, por un lado la técnica desarrollada por Milli en donde captura en foto de larga exposición los movimientos de la mano del artista, propone un enfoque particular de como realizar dibujo en un lienzo temporal y espacial, que en apariencia es inexistente, por otro lado, la luz deja a su paso la estridente delicadeza de la confeccionada imaginación configurada por los movimientos audaces y portadores de fuerza de Pablo Picasso. La luz es, para Picasso, portadora de lucha, así como lo fue el toro y el caballo representados en parte de su obra. En los "dibujos de luz", la luz es el instrumento que ayuda ha representar e inmortalizar la imaginación de Picasso trazada en un lienzo ilusorio y temporal conocido como el espacio, lo que provoca algunos cuestionamientos ¿que hubiera sido de los dibujos de luz de Picasso sin la fotografía?, seguramente no existirían. Por las cualidades del espacio, para muchos artistas, el espacio no sería el lienzo idóneo para dibujar o plasmar sus ideas, pero no fue una limitante para estos dos artistas, de hecho estos personajes sensibles se mueven fluidamente en un entorno espacial y temporal, paradójicamente transformándolo a su vez en una captura fotográfica espacial que se inmortalizara en la historia del arte. Los dibujos de luz son vectores delimitadores del espacio en el mismo espacio y son la captura de un momento en el tiempo representada y hecha visible por la fotografía.

Se puede considerar que la obra es un llamado a los sentidos, se puede dibujar sin la necesidad de contar con instrumentos de dibujo tradicionales (lápiz, pincel, la paleta), evoca cuestionamientos acerca de ¿que es el dibujo? y acerca de sus procesos y herramientas, potencia el uso y la compresión del espacio como forjador de las ideas, hace tangible lo intangible, y hace visible lo que para muchos es invisible, además hace propio la captura del tiempo.

Otros aspectos que llaman la atención de los “dibujos con luz” son aquellos que caracterizan al dibujo tradicional: ¿cómo se entiende la calidad y la intensidad de la línea en los dibujos con luz? ¿cómo se define la calidad del dibujo en un lienzo temporal?
Sin duda al pasar el tiempo la influencia de Picasso y Milli ha sido notoria, ahora con las Tecnologías de la Información y la Comunicación (TIC) se pueden capturar los movimientos y ser mostrados de distintas maneras o mostrar la obra de Picasso en majestuosas proyecciones o inclusive en diminutas proyecciones en el caso de las tablets.

Parafraseando a Pablo Picasso

Captura de movimiento
Las Tecnologías de la Información y la Comunicación han posibilitado que ideas como los dibujos de luz realizados por Picasso sean emulados por las personas desde la comodidad de su hogar, un ejemplo es; el Kinect Graffiti (https://vimeo.com/24665893?height=472&width=640) en donde la idea principal de esta aplicación es capturar los movimientos del jugador, el cual están siendo dibujados con luz en tiempo real y a la vez están siendo son mostrados visualmente con líneas llenas de luminosidad y en continua transformación con movimiento.

Dibujando con luz en dispositivos móviles

¿Cómo sería un Picasso en la época actual?
Seguramente Picasso abría aprovechado las TIC de la actualidad generando toros y caballos en movimiento rompiendo los límites de dibujo tradicional, como así lo han hecho en el Museo de Ciencia de Londres, en su espacio de estudios multimedia con el proyecto “Drawing in Motion” gestado por Universal Everything and You. En este proyecto multimedia se muestra una obra audiovisual que expone arte y diseño generado por los propios visitantes con la ayuda de dispositivos móviles (tabletas, smartphones).

Marco Antonio Flores Enríquez

https://vimeo.com/74825092
https://vimeo.com/76202168
https://vimeo.com/79315587

Otras fuentes:
http://life.time.com/culture/pablo-picasso-draws-with-light-1949/#1
http://life.time.com/culture/trick-photography-stroboscopic-photos-life-magazine/#1

Estudio y visualizaciones de las intuiciones y la Heurística de Pablo Picasso 

Hipótesis de la iconogénesis de sus distintos periodos, de su inteligente y apasionado diálogo en el tiempo con los autores de la pintura europea; panorámica de su visionaria aptitud y su vocación renacentista para identificar, focalizar y validar el legado de los ancestros. Los Renacimientos (homenaje y aprendizaje) son paráfrasis culturales de las expectativas y vivencias de sociedades anteriores sin considerar las diferentes circunstancias; en tanto recreaciones, armonización y revitalizaciones de imaginados paradigmas, son interpretaciones e inferencias de las cosmovisiones de admirables proyectos histórico-políticos que han signado el devenir de la humanidad, y son punto de partida a posibles apropiaciones tamizadas por la empatía y la reflexión, son la expansión de las utopías.

• Las ideas y expresiones del Egeo son la paráfrasis de las primigenias concepciones y manifestaciones del Asia Menor y el Medio Oriente; el conocimiento de éstas es el sustento de lo que hoy llamamos Grecia clásica.

• Las versiones de las culturas material y simbólica de la Roma imperial (Greco-Latina) es la afortunada sinapsis cultural de inspiración Helénica.

• El Islám del alto medievo, siendo el heredero universal de la interacción de Sumeria, Egipto y Persia, fusiona su generoso legado con los logros del pensamiento Greco-Latino, genial paráfrasis que genera la edad dorada del Islám.

• El renacimiento Itálico es la asamblea mediterránea de tres mil quinientos años de intensas experiencias de la sensibilidad y la inteligencia, y es así como se gestó la cultura occidental.

Al comprender la compleja génesis de los Renacimientos, podemos definir la monumental obra de Pablo Picasso como la renacentista composición que dibuja coloraturas de huracanada intimidad, que representan pulsiones y aromas memorables que hacen visibles los universos futuros.

Roberto Real de León - Julia Vargas Rubio - Marco Antonio Flores Enríquez

		Constelación de Taurus
		Toros de Pablo Picasso, animaciones inspiradas en una fotografía de Picasso dibujando con un luz.
		Inspired in a Photograph in which Picasso is drawing a bull with light. This exposition shows several bulls drawn by Picasso, and animated with ligth. Ver animaciones

Alusiones

Picasso poliédrico

Mtro. Manuel de la Cera Alonso y Parada
Departamento de Evaluación del diseño en el tiempo, CyAD, UAM, Azc.
27 de noviembre del 2013

Imaginemos la escena. Picasso acaba de fraguar un cuadro más que se suma a su vasta producción.
Ha decidido abordar un tema que ha sido recurrente en diversas etapas de su dilatada carrera . Se ha autorretratado . Es natural que un artista con una autoestima tan elevada como la suya , haya plasmado tantas veces su propio rostro . Pero esta vez el resultado es algo diferente .
Los rasgos de los trazos del gran artista español en este último retrato expresan una especie de amenazante desasosiego . No hay huella alguna de aquellos otros en los que aparecía más altivo, alegre y confiado , ni tampoco de aquellos en los que deliberadamente se configuró en carácter melancólico o en tono bucólico como ocurre con algunos del periodo azul .
No, esta vez , el cuadro de marras , refleja una extraña ira impotente que linda en la angustia existencial . Picasso es ya un hombre instalado en la vejez cuando lo ha pintado , y sabe que le queda poco tiempo de vida . Eso le produce rabia y enojo .
Él , que casi siempre superó todos los obstáculos que se le presentaron a lo largo del tiempo , y que afirmaba con cierta arrogancia “ yo no busco , encuentro ” , estaba en un trance que efectivamente lo llevaría a encontrar algo que su proverbial vitalidad obviamente tampoco buscaba , un destino inexorable contra el cual nada puede hacerse , la muerte .
No sería extraño pensar que en esos momentos Picasso transitase por la calzada que conduce a la mente a desplazarse por las laderas de la nostalgia y los recuerdos más añejos.
Quizá en esos instantes llegaban a su memoria las imágenes fugaces de sus múltiples amoríos o tal vez columbraba las efigies de sus mejores amigos , a los que él vio fallecidos cuando aún eran muy jóvenes como fue el caso de su camarada Casagemas.
Es probable también que a su cerebro regresaran algunos de los momentos creativos más importantes en los que tuvo una participación decisiva .
No sé , quizá recordó el momento en que inició sus primeras lecciones de dibujo en su casa con su padre.
Es posible que añorase su estancia en Barcelona , o que viese de nuevo en su imaginación la demostración que hizo de ser un prodigioso dibujante y un pintor excelso ante unos reacios académicos a los que sorprendió cuando tenía tan solo 14 años.
Tal vez a su ánimo vinieron las prostitutas que inspiraron el célebre cuadro “ Le Demoiselles D´Avignon ” , obra que en la opinión de muchos críticos supone el puerto de partida de todo el arte moderno del siglo XX .
A lo mejor abrigó de nuevo la indignación que le causó el bombardeo de Guernica , o quizá en esas seniles remembranzas transitaron igualmente los grabados de Minotauros , tauromaquias o aquellos en los que se le ve muy alegre departiendo en diversos escarceos eróticos con mujeres muy sensuales .
¿ O es que quizá pensó en sus ensamblajes escultóricos que de algún modo derivaron de su etapa cubista ?
Es imposible saberlo .
De lo que podemos estar seguros , es que Picasso es un artista cuya extensa trayectoria está signada por el cambio constante .
Su prodigiosa mirada y su fenomenal talento nos abrieron a los demás nuevas maneras de ver la pintura, la escultura , la cerámica , el grabado y el arte en general .
Picasso fue un enorme poliedro que presentaba en cada cara un filón inagotable de creatividad e imaginación portentosa .
Si bien muchos afirman que el artista más influyente del siglo XX es Marcel Duchamp , relegando a Picasso a un discutible segundo lugar , creo que nadie puede negar que sin la presencia del artista de Málaga y su legado , el derrotero que habría seguido la pintura y las vanguardias plásticas durante el siglo XX , hubiera sido muy distinto .
Picasso , en mi opinión , es uno de los grandes clásicos de todos los tiempos , pero no puedo quitarme de la cabeza la idea de que ese último autorretrato que creó hacia el final de su vida , en realidad refleja algo que él intuía y que con certeza le molestaba profundamente , saber que la inmortalidad no es más que una aspiración nominativa y que su desaparición física era inminente .

El 2063

En los próximos cincuenta años, se esperan grandes desarrollos científicos y tecnológicos que ni siquiera imaginamos hoy en día, pero que ocurrirán de una manera acelerada. Se lograrán grandes avances en la medicina, para controlar los diversos tipos de cáncer en el ser humano y es muy probable que desaparezca el SIDA y las enfermedades degenerativas. No obstante, también aparecerán nuevos virus mutantes que ocasionarán enfermedades no conocidas por el hombre, algunos ocasionados por el contacto del hombre con sus mascotas o por traer al planeta materiales extraterrestres en naves exploratorias del espacio o por la entrada de aerolitos.
Se tendrán enormes avances en mecatrónica, nanotecnología, biotecnología, genética, física, biología, matemáticas y computación, así como en tecnologías de energía y en todos los otros campos de la ciencia y la tecnología así como en las nuevas disciplinas que se crearán en el futuro y que no nos imaginamos en este momento. El mundo reciclará mucho más sus productos y, para evitar daños al ambiente y a la salud de las personas, se tendrán normas mucho más estrictas sobre las emisiones contaminantes en el mundo, las cuales eventualmente disminuirán, aunque quizá un poco tarde, pues los daños al planeta ya serán irreversibles.

Se automatizarán y optimizarán los procesos de exploración, producción, refinación y petroquímica del petróleo, a tal grado que, mientras haya petróleo o no se le sustituya por productos manufacturados u otros insumos, se controlará específicamente cada molécula de petróleo en su procesamiento. Además, las técnicas de secuestro y almacenamiento del bióxido de carbono se perfeccionarán.

La gran mayoría de los aparatos electrodomésticos que tendremos en casa y en el trabajo ni siquiera aparecen en las películas de ciencia ficción actuales; lo que sí podemos imaginar es que serán cómodos, seguros y altamente eficientes. Es muy posible que el ambiente en el que nos desenvolvamos sea un mundo lleno de sensores, cámaras, supercomputadoras y robots y que las fuentes de energía estén mucho más distribuidas y sean mucho más diversas. Quizá hasta la producción de alimentos animales y vegetales sea más distribuida con los avances de la genética. Las lluvias pueden ser una gran oportunidad para captar agua y energía en las coladeras.

En la Ciudad de México es muy posible que los automóviles tengan extremidades que les surjan para saltar del quinto piso al tercero del Periférico, o simplemente para avanzar más en los lugares congestionados y los carros que vuelen todavía sean muy caros. También que debido a las grandes inundaciones que podrían ocurrir debido a los efectos del cambio climático los vehículos sean también anfibios.

La gran mayoría de estos desarrollos tecnológicos se generarán en los países desarrollados tecnológicamente, mientras que los profesionales de los países subdesarrollados (y el resto de la población) son y seguirán siendo en mayor número solamente observadores del desarrollo tecnológico y usuarios de las nuevas tecnologías. La gran velocidad con la que se llevarán a cabo esos desarrollos impedirá que este último grupo de países participe en su generación, pues únicamente comprarán los productos terminados. Desde luego que de vez en cuando existirán productos innovadores, originados en los países subdesarrollados, como ya ocurre, pero estos serán muy pocos en comparación con todos los que se generarán en las naciones desarrolladas.
La brecha en el avance de la ciencia y la tecnología ocasionará que los países ricos se hagan más poderosos y que los pobres empobrezcan más. En la actualidad existe poco margen hacia otro futuro en los próximos cincuenta años; los únicos países que podrán beneficiarse serán aquellos que ahora invierten inteligentemente en ciencia y tecnología, como Estados Unidos, China, Alemania, Japón y Brasil, aunque también debe esperarse que en los países subdesarrollados existan polos muy importantes de desarrollo político, social, económico y tecnológico, así como magnates con un gran poderío económico, tal y como sucede en la actualidad. Quizá en este futuro ya se pueda “comprar” y “programar” un alto índice intelectual, emocional y social para los hijos de los más adinerados.

Por otra parte, la sociedad estará cambiando; habrá nuevas carreras profesionales en el futuro, lo cual dependerá en gran medida del cambio de las actividades económicas, que a su vez dependerá mucho del avance de la ciencia y la tecnología. La mujer tendrá más oportunidades de progresar y de tener mejores posiciones y salarios en sus trabajos, porque tendrá cada vez más grados y posgrados universitarios; además, gozará de mayor poder político, al acceder a mejores puestos en oficinas públicas. Desde luego que mientras en algunos países sus oportunidades y derechos ya son casi iguales a los de los hombres, en otros, como en los países de Medio Oriente, están muy lejos de ser realidad. En nuestro propio país aún existen lugares en donde la mujer tiene que hacer grandes progresos hacia la igualdad de oportunidades y derechos. En los próximos 50 años, todavía existirá discriminación por el color de la piel, el sexo, la tendencia sexual, la religión, la condición física, la nacionalidad, etcétera; aunque se esperaría que con el paso de los años disminuya. El propio concepto de familia —como lo conocemos ahora— estará cambiando, así como los roles en la familia del hombre, la mujer y los hijos.

En cuanto a la enseñanza, también las universidades públicas necesitarán destacar en los próximos cincuenta años para formar mejor a los jóvenes y lograr una sociedad altamente habilitada en materia tecnológica, más allá de la sociedad del conocimiento; porque de lo contrario, pocas universidades nacionales de clase mundial podrían ser financiadas parcialmente por nuestros gobiernos, a pesar de que en el futuro previsible, estas instituciones podrían contribuir a mejorar nuestra sociedad, aún en tiempos tan violentos como los que vivimos actualmente en el país. Lo cierto es que si una universidad pública no se prepara en este momento para instruir al personal profesional y técnico en las carreras del futuro, no tendrá oportunidad de sobrevivir por mucho tiempo, sobre todo si se toman en cuenta las amenazas de privatización que estamos observando en otros países y en el nuestro. Por tanto, la supervivencia de las universidades públicas nacionales dependerá en gran medida de la certeza de las acciones de cada una de ellas para servir a la sociedad y esto a su vez del prestigio, conocimientos, talento, honestidad y respeto a las leyes nacionales, así como del acatamiento de las propias leyes universitarias, del liderazgo en debates abiertos y honestos sobre el futuro de las instituciones nacionales, así como de la visión de los líderes universitarios que las dirijan en los siguientes años. Ni siquiera la Universidad Nacional Autónoma de México tiene un futuro asegurado.

La alta probabilidad del cambio climático aunada a la devastación de los recursos naturales, las pugnas por el petróleo, el agua y otros recursos naturales provocarán conflictos en el ámbito mundial que cambiarán geográficamente el mundo, tal y como lo conocemos ahora. Quizá existan obras ingenieriles monumentales de geoingeniería, como granjas de energía entre la tierra y la luna y hasta puentes muy largos para unir las poblaciones de los estados que podrían convertirse en archipiélagos como es el Estado de Tabasco.

La lucha por la hegemonía mundial entre China, Estados Unidos, Rusia y otros países de Europa pueden desencadenar ciberterrorismo, nanoterrorismo y bioterrorismo así como mini-guerras y micro-guerras limitadas y programadas. Quizá existan nuevos conceptos de guerras, como guerras nucleares especiales, nanotecnológicas, cibernéticas, sexuales y psicológicas. Todas ellas controladas y acordadas para desarrollarse en algunos lugares especiales de la tierra y el espacio, con el fin de que los países más poderosos muestren su poder de destrucción; como si las amenazas naturales del espacio y del descuido del medio ambiente no fueran suficientes para mermar la calidad de vida en la tierra. Estos conflictos podrían llevar a que Estados Unidos, México o Canadá se desmiembren; por ejemplo, que los Estados del Sur de Estados Unidos se conviertan en otro país, muy rico por incluir lo que es ahora California y Texas.
Las guerras continuarán como un mecanismo para acelerar el poderío económico de algunos países y mermar el de otros, así como también para reducir el crecimiento demográfico.
Muchos de los desarrollos de ciencia y tecnología harán que nuestro mundo sea cada vez más virtual, cada vez con menos interacciones cara a cara, pero con más interacciones virtuales que induzcan sensaciones y sentimientos muy reales. Si seguimos así, quizá el hombre en un futuro muy lejano, será solamente cerebro y si es solamente cerebro, podría ser reducido únicamente a un conjunto de señales eléctricas y nada más; en este caso el hombre sería inmortal. Pero para entonces, ¿qué significado tendrá la frase de Publio Terencio Africano de “Hombre soy, nada humano me es ajeno”? o la de Aristóteles de que el hombre es un “animal político” o la de “Polvo eres y en polvo te convertirás”. Aunque podrían tener significado, porque para entonces quizá las religiones también cambien y las actuales sean simplemente una serie de mitos y leyendas. Si el hombre sufre en el futuro esa tecnomorfosis extrema, generada por él mismo, ¿cuál será el concepto de conciencia y de alma? ¿Ese “hombre” será capaz de tener celos? ¿Cuántas palabras relacionadas al amor, al odio, a la envidia, a la ira, a la gula, a la mentira y a la lujuria desaparecerán del diccionario? ¿Y a su conjunto le llamaríamos sociedad humana o simplemente un grupo de circuitos eléctricos bien conectado? Quizá en el futuro será el ser trans-humano el que domine la tierra, ¿será una tercera parte hombre, otra coyote y otra avión?
A pesar de que en el futuro tendremos eventos que el día de hoy parecen altamente improbables, la realidad en el año 2063 la estamos generando hoy.

Hoy 17 de diciembre de 2063 La Universidad Autónoma Metropolitana inicia las jornadas de Conmemoración de los noventa años del Decreto de su Ley Orgánica, como Institución de Educación Publica Prospectiva.

Programa
▪ El Sistema de Museos Virtuales UAM Azc.
Inaugura El Museo Ciberexistencia de Pablo Picasso 2013- 2063 Experiencias Cognitivas multisensoriales a través de la interacción de Mega Hologramas Sinestésicos Habitables.
▪ La Coordinación de Cibercultura Invita hoy día al Concierto de La Orquesta Sintónica Digital de la UAM y la Compañía de Danza Virtual de la UAM, con el estreno global de la obra Avizorando el Porvenir…

Profesor-Investigador Nicolás Domínguez Vergara Dr.
Universidad Autónoma Metropolitana, Unidad Azcapotzalco División de Ciencias Basicas e Ingeniería, Departamento de Sistemas
24 de noviembre de 2013

EL CONGRESO DE LOS ESTADOS UNIDOS MEXICANOS, DECRETA:
LEY ORGÁNICA DE LA UNIVERSIDAD AUTÓNOMA METROPOLITANA *
* Publicada en el Diario Oficial de la Federación el día 17 de diciembre de 1973
http://www.uam.mx/legislacion/2013_abril/LO_legislacion_abril_2013/lo/assets/basic-html/page1.html

Recuerdos del Guernica

Unos días atrás recibí en el correo una invitación de mis colegas de universidad a escribir para la web de un nuevo museo virtual dedicado a Pablo Picasso que iban a inauguran. Desde entonces viví a la sombra de ese texto y ese hombre fantasma con los que nunca pensé me cruzaría ya siquiera por carta. Sus sombras se proyectaban siempre sobre el blanco del futuro papel, en la pantalla diaria del ordenador, pero no daban frutos. Sobre todo me aterraba defraudar a mis colegas. Sin conocerme personalmente me habían invitado a escribir nada menos que sobre un mito. Es muy distinto vivir el mito en la intimidad a través de sus lugares, siempre tan geográficos como los milagros, que entrometerte directamente en el murmullo mecánico de la tipografía de tantas y tantas voces que forman parte de él. Ese fantasma dibujaba los contornos de figuras con las que había crecido allá pero no formaban parte de mis textos previos ni del presente acá. Picasso seguía siendo un mito al que regresé de golpe, haciéndome consciente por primera vez de la impronta que había dejado en mí y de lo poco preparada que estaba como investigador para poder decir algo de interés y con el rigor que se exige. Me habían invitado a entrar en el laberinto y a enfrentarme al Minotauro en poco tiempo.

Las visitas al Guernica con mi padre en el Casón del Buen Retiro en Madrid. La enorme pintura que ocupaba desde el suelo todo un muro visto por una cría que apenas le sobrepasaba las rodillas. Más tarde, las visitas con mi hermano mayor. El frío cubierto de luz en invierno tras otros muros de piedra con amplios pasillos y muchas más ventanas. La obra de quien fuera declarado Director honorario del Museo del Prado en plena guerra civil, convirtió el antiguo Hospital de San Carlos en el Museo de la Reina Sofía. Me encantaba pasear al sol por su patio bajo los equilibrios fantásticos del móvil de Calder, subir y bajar por los ascensores transparentes y escuchar todo lo que mi hermano contaba y explicaba sala tras sala de lo que allí encontráramos. Para mí el Guernica fue durante mucho tiempo el único cuadro que identificaba como propio y parte de aquel edificio. Todo lo demás eran exposiciones temporales impactantes. Novedad. De alguna manera, los antiguos enfermos, los viejos artistas y los modernos visitantes se encontraban dentro de ese lienzo y de ese edificio. Todos ellos habían vivido los bombardeos. Ver allí el Guernica te daba la impresión de vivir el horror de la guerra por un instante y sin moverte de lugar. Me hacía recordar las crónicas de mi tía sobre los obuses, el hambre y las trincheras. Hacía aparecer la desesperación, los gritos. Me estremecía al sentirme bajo las bombas. Un efecto que nunca me provocó el telediario. Quizás era la única obra de la colección inicial que conocía ya, que había contemplado a solas con ella y con mi padre en una sala modesta en la que nunca había mucha gente, no había que pagar y podías entrar y salir un instante a verla de camino al parque del Retiro.

El mito había crecido en mí alrededor de esos recuerdos mezclados con la literatura y las historias oficiales del arte y “la madre patria”. Estaba más habituada a investigar obras y sombras relacionadas con Internet y la industria global, obsesionada como estoy con el presente. A falta de erudición me perdí por la imaginación así como suelo perderme por las calles de México, en busca de un destino. Debo confesarles que no encontré nunca ese lugar y lo que aquí vengo a contar son las preguntas que surgieron a la deriva, los días previos a volver a Madrid por diciembre. ¿Qué sería un Picasso virtual? ¿En qué se convierte el Guernica on line traducido a pixeles, luz eléctrica, html, tiff, apple, microsoft, linux, tablet, smartphone, laptop...? ¿cómo transforma esta doble migración el mito, el hombre y su trabajo?

No suelo leer biografías. En las Conversaciones que Brassaï dedica a Picasso “en sus ochenta y tres años –tan llenos- Este manojo de momentos vueltos a vivir”, he descubierto al hombre en sus idas y venidas entre París y Francia, al artista y al amante ajeno a España. He entrado por primera vez a su casa, las galerías y los cafés, las editoriales, el hispano-suiza, estudios, bodegas improvisadas, la incapacidad de manejar la totalidad de su trabajo, con dificultades siempre para empacar y trasladar la producción constante de objetos que dejaba tras de sí -cosa que nunca concluía del todo. Su relación con editores y galeristas. Su interés en el registro gráfico de las piezas, como las famosas fotografías de Brassaï o las de Dora Maar. Piezas que no siempre son cuadros o esculturas en el sentido estricto que sugiere el mito. No he conocido al pintor, al escultor o al dibujante. Desde collages a objetos encontrados, instalaciones, grabados, dibujos, tallas en madera, cerámica, escritura, yeso, hierro. Picasso lo investiga todo con sus manos, no se acerca a las máquinas. En su trabajo y en su vida no se distingue a un artista de otro, a una acción de otra. Es un constante cruce que carece de automatismos, programación, electrónica o mecánica y, sin embargo, es capaz de concebir la pintura cubista como diseño industrial para una producción 3D imaginada. Se asombra de la fotografía y cree que ha llegado el momento para los pintores de dedicarse a otras cosas, a explorar otras relaciones entre los objetos y las imágenes.

¿Qué significaba trasladar estas pesadas, delicadas, enormes y pequeñas obras a la web? Picasso experimentaba la forma a través de distintos materiales y ahora quedarían reducidas al peso en bytes y a las dos dimensiones de la pantalla, sostenidas sobre el mismo “lienzo electrónico” entre muchas otras imágenes y otros muchos objetos. Me di cuenta entonces de que la pregunta estaba mal planteada, de que ese modo de preguntarse acerca de qué le sucede a las obras sometidas a su reproducción técnica como hiciera Benjamin se había convertido en un impedimento, porque dejaba en primer plano los medios y sometía a ellos la investigación formal. La culpa, por supuesto, no la tenía Benjamin sino la ceguera provocada por la llamada “cultura digital” ajena a la vida y al trabajo de aquel fantasma. En otras palabras, dejé de preguntarme por la influencia que tendría la web en trabajos como el Guernica y empecé a preguntarme sobre la influencia de estos trabajos sobre la web.

Imaginen un espejo enorme que se desploma del techo con todo su peso sobre el cuarto al tiempo que caen las bombas. A medida que se va fracturando hasta llegar al suelo, descuartiza la escena en fragmentos que multiplican los puntos de vista sin perder la continuidad al interior de las dos dimensiones de la superficie especular. La perspectiva lineal se desmonta. El ojo del espectador único, del artista único se deshace con ella. Siendo uno podemos movernos por la imagen como si fuéramos muchos sin cambiar de lugar. La ruptura cubista con la figuración occidental, su rechazo radical, lo aleja inmediatamente de la fotografía y el cine. La innovación no se encuentra en los medios –que no son nuevos- sino en la forma en la que se representan y se perciben las relaciones entre las imágenes y los objetos. Es de sobra conocida la influencia del “arte primitivo” de otros pueblos, especialmente de África, en el cubismo y las primeras vanguardias. Se habla también del cine y cómo ese “inconsciente óptico” de la fotografía estaba modificando la mirada sobre los rostros y los objetos. Sin embargo, las técnicas y la mayor parte de los materiales son viejos conocidos y dependen principalmente de la manufactura. La cámara reproduce multitud de puntos de vista plano a plano pero el simple trazo sobre un papel cualquiera daba lugar a esa multitud al interior del mismo cuadro. Es notable, por citar un ejemplo, el esfuerzo y el fracaso de Ingmar Bergman (1966) en la película Persona al intentar traducir la ruptura cubista al plano único de la gran pantalla. La impecable composición de los primeros planos de Liv Ullmann y Bibi Andersson evocan la tensión de la mirada única, estática y retenida de la cámara pero no pueden llevarla hasta sus últimas consecuencias.

No quisiera parecerles una romántica trasnochada para quien el pasado siempre fue mejor. Al contrario, si algo enseña el pasado a esta “cultura digital” que nos rodea es que los medios no son fines y que cualquier finalidad puede ser modificada. Para Picasso un antiguo sillín de bicicleta podía convertirse en la cabeza de un toro, el lienzo en un espejo fragmentado ajeno al monopolio de la mirada. Lev Manovich, uno de esos autores que no pueden soslayarse si lo que te obsesiona es el presente, ha mostrado cómo las exploraciones formales de las vanguardias se han incorporado a las herramientas virtuales orientadas a la producción gráfica (véase After Effects), y cómo esta incorporación reciente ha puesto a disposición de las nuevas masas informatizadas recursos formales antes exclusivos de un artista o un movimiento. Uno se deja fascinar rápidamente por esta aparente concreción tecnológica de los sueños de las vanguardias, de su aspiración a la democratización del arte y la producción estética que promete el software y la web. Sin embargo, el pasado nos recuerda que los fines no dependen únicamente de lo último en tecnología punta y programación. Las relaciones entre los objetos y las imágenes tampoco. Podemos diseñar un logo en papel, en InDesign o en OpenOffice y eso no determinará su calidad formal.

Regresando a Madrid caí en la cuenta de que esta confianza ciega en el software, esta insistencia infantil de los nuevos productores en los nuevos medios se estaba en parte revirtiendo. ¿Otros mitos avanzaban hacia su descomposición como había sucedido con el del artista o el del genio universal? Ars Electronica ha concedido este año el primer premio en la categoría de Comunidades digitales a un blog que técnicamente no posee ninguna característica destacable y ni siquiera es una red social con una compleja arquitectura de programación. Elcampocebada.org no ha sido premiado por su uso de los media sino por construir un espacio público a partir de las ruinas de una capital sumida en la crisis. La falta de presupuesto paralizó las obras de una gran plaza comercial en el centro de la ciudad, dejando un gigante socavón cercado donde antes estaba el polideportivo público de la Latina. A lado del gran mercado de la Cebada, esqueleto colindante que resistió a la demolición, se encuentra ahora el campo cebada, su canasta de baloncesto, sus conciertos, su “hand made urbanismo”, sus gradas y las actividades que se van improvisando con mucho esfuerzo y muchas manos.

Esta y otras comunidades de productores, como sucede con las investigaciones de Picasso, nada tienen de digitales. Según nos cuenta Brassaï, Picasso a principios de siglo afirmaba que cortando y ensamblando sus cuadros en planos un ingeniero podría convertirlos en un objeto tridimensional. Entre tantas cosas que podemos aprender en este Museo virtual del hombre y su trabajo y no del mito, ésta me resulta una de las más urgentes y disruptivas salidas del laberinto y de las promesas utópicas del desarrollo tecnológico. El acceso a los medios no garantiza automáticamente el acceso a los fines ni la apertura de la forma. La muerte del artista no implica necesariamente la desaparición del productor o la desmaterialización de la obra en unidades discretas de información. La obra de Picasso antecede la virtualidad del museo convertido en pantalla y esos recuerdos de la infancia se muestran ahora cargados de relaciones potenciales entre las imágenes, las miradas y los objetos. Espero disfruten el viaje.

Dra. Paz Sastre Domínguez

Profesora investigadora, departamento de arte y humanidades, UAM, unidad Lerma.

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Picasso pudo inspirarse en una biblia mozárabe para las figuras del 'Guernica

Distintos expertos del mundo del arte han advertido del parecido extraordinario entre las figuras que aparecen en el 'Guernica' del artista Pablo Picasso y los de la Biblia Mozárabe del siglo X, custodiada en la Catedral de León, hasta el punto de que dan casi por descartado que sea fruto de la casualidad.

Esa Biblia se expuso en Barcelona en 1929 y en París en 1937, momentos en los que el genio del Cubismo pudo descubrir los dibujos gestuales y expresionistas que aparecen en el texto medieval, según ha explicado en la capital leonesa el director del Museo de la Catedral de León, Máximo Gómez Rascón.

Diversos expertos inciden en este análisis y se basan para ello en aspectos relativos a la doble mirada, de frente y perfil, de las figuras del cuadro, así como en el caballo y el toro.

Así, el director del Museo Catedralicio ha explicado que estas similitudes se aprecian especialmente en el toro, que en la Biblia simboliza al evangelista San Lucas y que "es casi exacto" al que pinta Picasso en el Guernica.

El parecido también es patente en la cara del caballo que aparece en el cuadro y, en menor medida, en los rostros de las personas, si bien algunos de los perfiles también recuerdan a los que aparecen en la Biblia, según ha dicho.

Ha apuntado que en la biblia aparece también un león, con la lengua fuera, y cuya cara y expresión es muy parecida a la del caballo que aparece en el Guernica, al que le sale por la boca una especie de cuchillo o punta de lanza.

El director del Museo da por descartado que las similitudes sean fruto de la casualidad y está convencido de que Picasso "conocía sin duda" esta Biblia, creada por el diácono Juan en 920 y escrita en pergamino en letra visigótica.

Aunque en esta época se ilustraban los códices con este tipo de símbolos, Gómez Rascón ha destacado la singularidad de la de León, una de las más importantes de la época.

El pintor Benito Escarpizo, ex profesor de la Escuela de Artes Aplicadas de León, es rotundo: "si las similitudes son enormes en el cuadro, lo son aún más en los propios bocetos".

Escarpizo conserva aún una ficha elaborada por él, con las imágenes de la Biblia y del Guernica, de las cuales se valía para explicar a sus alumnos las similitudes en ambas obras. "Son detalles en los que se ve que hay una clara inspiración" de Picasso en la Biblia, ha afirmado el artista, que está convencido que es prácticamente imposible que estas similitudes sean fruto de la casualidad.

Otro pintor que ha visto esta Biblia es Ramón Villa, quien cree también que el cuadro de Picasso "está clavado sin duda". "Picasso chupaba todo lo que pillaba y encima lo mejoraba", ha explicado Villa, quien ha apuntado que el artista "pudo inspirarse para el Guernica en más de un sitio, pero desde luego en esta biblia".

"Picasso bebía de distintas fuentes", ha dicho Villa, que ha recordado un dicho que circulaba entre los artistas de la época: "guardad la obra que viene Picasso". Y es que "lo malo no era que copiara la obra, sino que la mejoraba y te hundía", ha asegurado.

El Guernica es una de las joyas que se exhiben en el Centro de Arte Reina Sofía, en Madrid. Desde allí, la directora de colecciones, Rosario Peiró, quien ha estudiado la simbología del Guernica, y que asegura desconocer la biblia en cuestión, tampoco ha descartado la posibilidad de que el pintor se haya podido inspirar en ésta.

No obstante, ha indicado tajante que la Biblia "no ha sido su única fuente de inspiración" para el Guernica. La experta ha recordado: "Hay muchísimas imágenes parecidas en todas las épocas y no significa que Picasso cogiera ese libro y lo copiara. ¿Que haya podido ver la Biblia?, ¿por qué no?", pero ha añadido que éste "no es un dato definitorio de la realización del Guernica".

http://www.elmundo.es/elmundo/2009/04/19/castillayleon/1240133555.html

Pablo Picasso en el Metropolitan Museum y en el MoMA de Nueva York

Picasso, Suite 347, Rafael y Fornarina, 1968, Suite 347, Tres mosqueteros saludan a una mujer desnuda, 1968. Picasso, 1920

Con la pintura se permitió ser un genio, con el grabado se permitió ser un virtuoso. En el Metropolitan Museum y el MoMA de Nueva York coinciden dos exposiciones dedicadas a la obra gráfica de Picasso. En el caso de MET hay algunos óleos expuestos, y sin embargo lo más emocionante son sus grabados en metal y en linoleum. La obra de Picasso es su talento, su tema es el estilo Picasso. Lo que cohesiona el cuerpo de su obra es la capacidad del pintor español de extraer arte en estado puro de cada trabajo. La curaduría del MoMA es un recorrido amoroso centrado en las mujeres que pasaron por la vida de Picasso, mujeres que se trastornaron y se transformaron a partir de relacionarse con este devorador de existencias, con este minotauro insaciable. Gran parte de la fascinación que despierta Picasso está en esa vitalidad que siempre demostró, en fundar su mito como un ser catártico que agotaba a quienes lo rodeaban. El sexo de Júpiter y el egoísmo de Narciso. “No vayas a visitarlo, dicen que al cabo de un rato te arranca la ropa, te arroja sobre sus lienzos y te viola, no te suelta hasta que se harta”. Esta advertencia más que ahuyentar a las admiradoras, las atraía en hordas.

El retrato de Fernande Olivier, amante de Picasso de 1903 a 1911 es una litografía en la que raspa la piedra para crear diferentes efectos de luz, es un retrato triste que nada tiene que ver con los de Dora Maar, que son felices, plenos, entregados. En la acuatinta Mujer con Tamboril Dora baila, toca un pequeño pandero y sonríe, Dora emerge desnuda de un fondo de tinta negra con líneas que definen el movimiento de los planos cubistas y las sombras. El grabado en punta seca del rostro de Olga, la bailarina que sin Picasso fue un deshecho penoso de un gran melodrama, es melancólica, disgustada, a punto de reprochar algo, el tratamiento del retrato es conservador y distante.

En el MET fueron mucho más lejos que en el MoMA, expusieron entre otras cosas, la Suite 347 completa. Esta serie de 347 grabados los realizó en el sur de Francia cuando viva ahí con Jacqueline, ella tenía 27 años y él 72. Se llevó a los impresores Aldo y Piero Crommerlynck para que se dedicaran a imprimir esta fastuosa colección. La obra más erótica de Picasso, basada en la Celestina de Fernando de Rojas y en la relación del pintor Rafael y Fornarina la amante que lo mató de agotamiento. Cuando terminó la serie fue expuesta en Paris en 1968 en la Galería Louise Leiris en salones cerrados por su alto contenido erótico y con previa advertencia al público, esta Suite no se pudo ver completa en España hasta 2003. Fascinado con la técnica del grabado en la que trabajó llegando a niveles nunca vistos, experimentando en todas las posibilidades de los diferentes procesos y estados de la placa, llevó la composición y el lenguaje del pequeño formato a lo más bello y depravado del erotismo.

En la Suite Vollard, ya mostraba el hedonismo de su vida, las mujeres que rodean al escultor y al minotauro son las mujeres de Picasso, que posaban desnudas y recibían al marchante Vollard que llegaba con prisas y una botella de champaña a recolectar los grabados de la serie mientras que Picasso semidesnudo dibujaba frenético y gozoso. En la Suite 347 el erotismo de Picasso se apodera de la intimidad de este pequeño formato y cada pieza es una intromisión a la humedad y calor de habitaciones de placer y promiscuidad. Al ver los grabados y observar al público con sus audi-guías pegadas a los oídos me preguntaba que les podrían estar diciendo “en este grabado vemos como dos mujeres hacen el amor, mientras el cliente, un mosquetero elegantemente vestido se deleita mirando la orgía, una enorme verga destaca en el primer plano entre los cuerpos de las amantes”. Es un misterio.

Las celestinas llevan a los mosqueteros que entran a caballo dentro de las habitaciones donde estas doncellas están ofreciendo sus cuerpos, apenas cubiertos por un mantón y tocadas con peinetas de concha. Los grabados a veces son punta seca, otras son acuatintas algunas con barnices al azúcar. La narración va en ascenso de intensidad, un espadachín se arrodilla ante el coño de una mujer, Rafael ama a Fornarina con su paleta de colores en la mano y los senos de ella en la cara. Mientras que en la pintura nunca alcanza este nivel de erotismo, Picasso hace del formato y de la técnica del grabado un lazo hasta lo más personal de su fantasía, de las imágenes que inventaron parte de su propio mito, del personaje que él creó.

Avelina Lesper

http://www.avelinalesper.com/2010/05/picasso-suite-347.html

Picasso: Themes and Variations, MoMA.

Picasso in the Metropolitan Museum of Art.

Publicado en Laberinto de Milenio Diario, el sábado 8 de mayo del 2010.

Picasso: Desafío del pasado

"Picasso: Challenging the Past" Galería Nacional de Londres

Pablo Picasso (1881-1973), posiblemente el artista más influyente del siglo XX, enfrenta a sí mismo ante los más grandes maestros de la pintura europea a lo largo de la vida del artista. "Picasso: Challenging the Past" estudia la manera de como el artista toma las formas y estilos de las inquietudes artísticas del pasado y los convierte en suyos mediante su personal transformación.

Picasso fue un apasionado estudioso de la gran tradición de la pintura europea. El Greco, Velázquez y Goya son de crucial importancia para él, así como Rembrandt, Delacroix, Ingres, Manet y Cézanne. Todos estos artistas están representados por las principales pinturas en la Galería Nacional de Londres.

Viendo unas 60 obras del artista, esta exposición invita a los visitantes a volver a explorar la colección permanente a la luz de la fascinación de Picasso con los viejos maestros.

La exposición está organizada por temas, que muestra cómo Picasso regresó varias veces a los grandes temas de la tradición de la pintura europea, como el análisis de su personal estilo desarrollado en múltiples direcciones. Las secciones incluyen autorretratos, la tradición española del retrato masculino, el desnudo femenino, naturalezas muertas, y la figura femenina sentada.

"Picasso Challenging the Past" 'culmina con una exhibición de las variaciones del artista que, a finales de la vida, Picasso hace referencia directa a las obras maestras de Velázquez, como' Las Meninas' y Manet" Déjeuner sur l'herbe », convirtiéndolos en "otra cosa".

http://erestujohnwayneolosoyo.blogspot.mx/2009/04/picasso-challenging-past-galeria.html

Pablo Picasso, posiblemente, el más grande artista contemporáneo!

Una nueva exposición se abre en la Galería Nacional de exhibir uno de los artistas más influyentes y famosos del siglo XX - Pablo Picasso. La exposición "Picasso: Challenging the Past" examina y analiza cómo Picasso fue influenciado por los maestros del pasado y de su re-interpretación de algunas de sus obras y sus propias respuestas a ellos.

Picasso fue un artista que todos los otros artistas tuvieron que tener en cuenta - que tenía un público enorme y agradecido en su vida (tenía dos museos dedicados a sus obras durante su vida) y era muy prolífico - producción de más de 22.000 obras de arte en su vida. Pintó en muchos estilos diferentes y produjo obras de arte en diferentes tipos de medios de comunicación - pinturas, esculturas, decorados de cine, etc, dejando que su trabajo expandirse en cualquier dirección que en la época influyó en él. La obra de Picasso es una fuente de la ONU interminable discusión, la fascinación y el análisis. Él es mejor conocido por co-fundador del cubismo con Georges Braque y su obra ha inspirado a muchos artistas famosos y modernos, sus obras también han contribuido a muchos movimientos artísticos del siglo XX.

No sólo fue una fuerza Picasso el arte en sí mismo, también era un hombre muy carismático, con una vida personal muy colorido. Tuvo cuatro hijos con tres parejas diferentes, se casó dos veces y tuvo numerosos amantes - algunos de ellos se convirtieron en sus musas.

La obra de Picasso a menudo se ha clasificado en diferentes períodos según los estados de ánimo y los temas que sus pinturas habían tomado, las divisiones más aceptadas son:

El período azul - 1901-1904, donde sus pinturas eran sombríos y los lienzos se llenaron en tonos de azul.

El período de Rose - 1905-1907 - lienzos de Picasso adquirió tonos cálidos, impregnada de colores rosa y naranja.

Período Influenciado africana - 1908-1909 - en algunas de sus obras fueron influenciados por las máscaras tribales.

Cubismo - 1909-1919 Tres de las obras más famosas y emblemáticas de Picasso son: Les Demoiselles d'Avignon (1907)  Guernica (1937)  Mujer que llora - Dora Maar (1907)

La vida temprana de Pablo Picasso

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Mártir Patricio Clito Ruiz y Picasso nació Don José Ruiz Blasco y María Picasso y López y en Málaga, España el 25 de octubre 1881, y fue bautizado con un serie de nombres en honor a diferentes santos y familiares. Picasso tuvo un parto difícil, y cuando finalmente nació, la comadrona pensó que estaba muerto y lo dejó sobre la mesa para atender a su madre. Sin embargo, su tío, un médico llamado Don Salvador le salvó la vida al soplar humo de cigarro en la cara. Picasso tarde había dicho que de inmediato reaccionó a esto con una mueca y un bramido de furia! La familia tenía otros dos hijos - Dolores (Lola) y Concepción (Conchita).

Picasso demostró talento artístico a muy temprana edad, su madre le había dicho que sus primeras palabras fueron "piz, piz", una forma abreviada de la palabra española "lapiz", que significa lápiz. Su padre, Ruiz, era descendiente de aristócratas menores y pasó la mayor parte de su vida como profesor de arte en la Escuela de Artesanías, un curador de un museo local y también fue un pintor que se especializó en pinturas naturalistas de aves y caza. Primeros dibujos conocidos de Pablo Picasso fueron de palomas, fotos de larga duración y bocetos de Hércules y corridas de toros (que a su padre lo llevó a).

Con su experiencia, Ruiz Picasso dio formación artística formal, por medios tradicionales - la de la copia disciplinada de los maestros y el dibujo del cuerpo humano de yesos y modelos en vivo.

Una pintura temprana existe para este período de tiempo pintado por el joven Picasso hacia 1889-1890 llamado Le Picador. Representa a un torero español en un caballo con tres personas en el fondo, pintado con óleo sobre madera.

La familia se trasladó a La Coruña en 1891 por cuatro años como Ruiz fue ofrecido un trabajo mejor remunerado como profesor en la Escuela de Bellas Artes. Durante estos cuatro años, Picasso entró en la Escuela de Bellas Artes en 1982 y en 1984 (a la edad de 13 años) su talento tan asombrado Ruiz que sentía que ahora le superó y le entregó el pincel y la paleta y dijo que él nunca va a pintar de nuevo. En 1892 Picasso tuvo su primer mecenas - Ramón Pérez Costales, un médico gallego y un político republicano celebrado. Costales actuó como un protector de la familia y también patrocinó la primera exposición de Picasso.

La tragedia cayó sobre la familia en 1895, cuando Picasso hermana Conchita murió de difteria a la edad de siete años. La familia se trasladó a Barcelona, donde Ruiz recibió un puesto de profesor en la Escuela de Bellas Artes de La Lonja. Picasso pasó el examen de ingreso para la clase avanzada (que por lo general se llevó a los estudiantes un mes), impresionando a los jurados académicos como él fue capaz de pasar en una semana y superó incluso los estudiantes de último año que toman sus proyectos exámenes finales.

Primera Comunión - Primera Comunion es la primera obra académica grande ejecutada por Picasso en la edad de 14 años durante su estancia en La Lonja. Esta pintura muestra dominio del color, la técnica y la composición de Picasso y también muestra que comenzó su carrera con los estilos más tradicionales de la pintura. La pintura representa la primera comunión de Lola (en el vestido blanco), con un caballero (siguiendo el modelo de su padre o de Vilches, un médico de familia y amigo) y el monaguillo es hijo Vilches. Esta pintura fue exhibida en la Exposición de Bellas Artes y Industrias Artísticas de Barcelona.

Segunda pieza académico de Pablo Picasso - Science et Charité fue exhibido en la Exposicion General de Bellas Artes de Madrid en 1897. Trabajó en la pieza en su primer estudio y el médico se inspiró en su padre. Ganó una medalla de oro, pero molesto por una de las revisiones de la pieza, Pcasso trasladó a otro lugar a trabajar en una nueva pieza, se niega a decirle a nadie donde había localizado su nuevo estudio y lo que estaba trabajando.

En 1897 en el of16 edad, el padre y el tío de Picasso le matricularon en Madrid de la Real Academia de San Fernando, donde fue capaz de completar todos sus dibujos de admisión en un día. Sin embargo Picasso estaba decepcionado en sus clases y no pudo asistir a todos ellos. Aunque Picasso quería aprender a mejorar sus habilidades, él sabía que iba a aprender nada nuevo en esta academia que no había aprendido ya en La Coruña o Barcelona. En su lugar, pasó el tiempo dibujando en los cafés y en las calles, a menudo ir al Prado para admirar y estudiar las obras de Goya, Valezquez y Zurbarán. Picasso admiraba sobre todo pinturas de El Greco - sus estilos expresionistas y dramáticas y extremidades alargadas. Hay varios retratos que pintó en esta época que ilustra lo que intenta pintar en el estilo de estos grandes maestros. Incluso a esta temprana edad, Picasso mostró que quería ser diferente y encontrar y pintar en un estilo propio. En una carta a su amigo, él dice que no quiere seguir a ninguna escuela de arte o seguir las modas, como el puntillismo, ya que sólo produce una similitud en las pinturas. Cerca del final de 1897, Picasso tuvo un enfrentamiento con su padre y sale de la academia para el bien.

Picasso del artista independiente

La decisión de Picasso de dejar la academia de Madrid fue una decisión muy importante para él, el estrés puede haber conducido indirectamente a él contraer escarlatina a principios de 1898. Su hermana Lola fue a cuidarlo en Madrid y que fue puesto en cuarentena durante cuarenta días. Una vez que estuvo lo suficientemente bien, abandonó Madrid y aceptó la invitación de su amigo Manuel Pallarés pasar tiempo recuperándose en su casa familiar de Horta d'Ebre, en la frontera de Cataluña y Aragón.

Picasso pasó nueve meses con su amigo, ir en expediciones pintura que durarían semanas a la vez. Ellos viven su vida a la intemperie y el campamento en las cuevas de regresar finalmente a la cosecha de uva de ganar algo de dinero.

Picasso regresó finalmente a su familia en Barcelona en 1899 para ganarse la vida como artista gráfico y contribuir dibujos para revistas e impresos efímeros. También se convierte en un miembro del Els Quatre Gats, donde conoce a muchos artistas y escritores famosos, como su gran amigo, artista y escritor llamado Casagemas quien compartió un estudio con en Barcelona - no muy lejos de su familia.

A principios de 1900, una exposición de alrededor de ciento cincuenta obras de arte tuvo lugar en el Els Quatre Gats de la obra de Picasso, sobre todo de retratos. Él comenzó a firmar sus obras Pablo R. Picasso o PRPicasso y decidió ir a París con su amigo Casagemas. Picasso descubrió que pertenece a Els Quatre Gats había ayudado suave camino de París, y fue capaz de utilizar el estudio de sus amigos, mientras que en España.

En París, Picasso quedó impresionado por el artista Henri de Toulouse-Lautrec - en especial su tema de colores de los clubes nocturnos y las imágenes decadentes y provocativas de fin de siècle París. La influencia de Toulouse-Lautrec en el arte de Picasso se puede ver la pintura Le Moulin de la Galette, que muestra una escena cálida y alegre de los hombres y mujeres bailando - el objeto y el tratamiento como el de Toulouse-Lautrec. En primer plano, una mesa sentado con tres mujeres y el fondo de una multitud de hombres y mujeres bailando. Esta pintura es también una reminiscencia de la pintura famosa del Moulin Renoir en 1876, sin embargo, las pinceladas son más audaces, los detalles de cada individuo no es realmente visibles, y el conjunto se intensificaron por la configuración de las luces de gas en la noche. Picasso también jugó con el puntillismo y técnicas de van Gogh y Gauguin, la producción de la Pierreuse pintura en 1901, tratando de encontrar un estilo propio. Muchas de sus pinturas de este período en París demuestra que Picasso fue influenciado por diferentes artistas contemporáneos que producen muy diversas piezas de trabajo, tratando de técnicas de Manet, Monet, Delacroix, Pissarro o Degas, y no sólo copiar, sino con los elementos más fuertes de cada uno a crear un estilo propio.

Durante 1901, Picasso tuvo una exposición en la Galerie Vollard, donde expone algunos sesenta y cuatro obras diferentes. Las pinturas incluyen acuarelas, pasteles y dibujos realizados en todo el espacio de tres semanas. Aunque Vollard no pensaba que era un éxito, más de la mitad de las pinturas fueron vendidas antes de la exposición - tal vez incluso más si había un programa de seguimiento. Fue en este espectáculo que Picasso fue introducido al poeta Max Jacob, a quien él era muy amigo de toda su vida. Fue Max Jacob que más tarde recuerda la rapidez con Picasso trabajó y vendió su arte y lo brillante que las obras de Picasso fueron en su momento, a pesar de que los críticos consideraron que sólo estaba imitando a sus artistas contemporáneos favoritos en; http://www.ajmiles.net/artists/pablo-picasso.asp

Picasso: Desafiante del pasado

Pablo Picasso, a los setenta y tres años, ha elegido a una nueva mujer. Anuncia el hecho, en su estilo característico, fiel a su idiosincrasia, pintando una serie de cuadros inspirados en Eugene Delacroix Las mujeres de Argel de 1834. Obra romántica de Delacroix es una obra sombría y melancólica, implacablemente opuesto al espíritu de la fantasía sexual orientalista que abarata la mayoría de las pinturas de la exótica oriental del siglo XIX. En una oscura y rica decoración harén del sultán, tres mujeres esperan en un estado de aburrimiento entristecido. ¿Qué hace Picasso de este purgatorio sexual desalentador, más de cien años después? Se vuelve su espacio claustrofóbico en una bulliciosa confusión de planos cubistas y patrones. La mujer espera se han desnudado. Uno de ellos patea sus piernas en el aire, mientras que otro de sus bares ingeniosamente reorganizar pechos de forma provocativa. En el cuadro de Delacroix del sultán es por ningún lado, pero en la versión de Picasso que se encuentra presente de manera implícita, aunque invisible, como el propio Picasso. Se trata de su harén. A la izquierda se encuentra la imponente figura de Jacqueline, la única mujer que se ha dado un rostro reconocible. La imagen era de una especie de carta de amor, forma de decirle que de ahora en adelante ella sería la de Picasso. También fue su último adiós a Olga, a Marie-Thérèse, a Francoise y todos los demás.

"Mi trabajo es como un diario," dijo en una ocasión Picasso. "Es incluso anticuado como un diario". Él inscribió su versión final de Las mujeres de Argel con la fecha impresionantemente precisa 14 de febrero 1955. La imagen se cuelga en la sala culminante de nueva exposición de la Galería Nacional, "Picasso: Challenging the Past", entre muchos otros temas y variaciones en las obras de los viejos maestros. Enigmática Déjeuner sur l'Herbe de Manet, en sí una variación provocativa célebre pastoral, La Fete Champetre de Tiziano, es sucesivamente reinventado por Picasso, como orgía y la confrontación existencial. Las Meninas de Velázquez, del mismo modo apropiado, se convierte en una reflexión sobre la situación peculiar del artista moderno. Picasso vuelve la más famosa imagen de la Edad de Oro española en un fantasma negro y blanco de lo que fue. El Rey y la Reina de España, que se refleja en el espejo deformante de Picasso, se convierten infantil Garabatos con wonky, caras sonrientes. Sus hijos y sus enanos gire similar Picassoid, mientras que incluso su mastín melancólico se ha convertido en la silueta de la propia patas muy cortas de Picasso, un perro callejero llamado Lump económicamente. La figura del propio Velázquez se ha transformado en un tótem con las cabezas gemelas de una toma de naipe. El único artista se ha convertido en dos. Está Velazquez-Picasso, o Picasso-Velazquez? ¿Está el maestro moderno besando el viejo maestro, o la búsqueda de caníbal le ingerir? Probablemente un poco de ambos.

Espectáculo de la Galería Nacional en sí podría ser descrito como una variación sobre un tema. La idea-ur para dicha exposición fue el propio Picasso. En 1947, poco después de que él había donado diez de sus pinturas más famosas del Museo de l'Art Moderne de la Ville de París, las autoridades francesas le preguntaron si había algo que le gustaría a cambio de su generosidad. Él pidió la oportunidad de colgar sus propias imágenes en el Louvre. En un solo día, se le concedió su petición. El museo fue cerrado y sólo un puñado de personas que fueron invitados. Ese evento casi secreto, más de cincuenta años en el pasado, fue el pretexto para "Picasso et les Maitres", un examen de celebración de la relación del pintor con los maestros del pasado - que cerró recientemente en París, después de haber batido todos los récords de asistencia. Fue sin duda la más ambiciosa exposición sobre Picasso jamás organizado, llenando las galerías del Grand Palais y se extienda a ambos el Musee d'Orsay y el propio Louvre. Exposiciones anillos cambios de la Galería Nacional en la misma idea e incluye varios de los préstamos en el mismo. Inevitablemente, dada la naturaleza de las galerías del sótano del ala Sainsbury, es un asunto mucho más pequeño e íntimo - un modesto estudio de la influencia y la inspiración, más que un fuera-y-hacia fuera exitosa.

Londres, se ha tomado la decisión de colgar las pinturas de Picasso solo, en lugar de en la compañía de las imágenes de los viejos maestros que pueden ser o no los han inspirado. Hay algunas ventajas de este enfoque. Muchas de las yuxtaposiciones en París parecía intencional - bodas escopeta arbitrariamente dispuestas entre pinturas y obras de Picasso del pasado para que, en el peor caso, que llevaban poca o ninguna relación. No hay tales comparaciones forzadas en la Galería Nacional, donde se anima implícitamente a los espectadores a hacer sus propias conexiones entre el arte de Picasso y las venerables tradiciones de la pintura europea occidental consagrado en el museo en otro lugar. En otros aspectos, el espectáculo se ve comprometida por sus limitaciones. Sobre todo en sus últimos años, que tenía la costumbre de Picasso a trabajar y rehacer una imagen en particular a través de numerosas variaciones. La exposición de la Galería Nacional no logra transmitir la urgencia y la vitalidad de la que, el proceso de fotograma a fotograma casi cinematográfica de la transmutación. Así, por ejemplo, todos los de Picasso innumerables variaciones sobre Las Meninas o Le Déjeuner sur l'Herbe, o Les Femmes d'Algers, se comprimen a un puñado de cuadros - y en uno o dos casos, ni siquiera son la recogida de el pelotón.

No es el sentido, a lo largo, que Picasso es demasiado grande, demasiado ruidoso, demasiado constreñida a confinarse en este modesto conjunto de habitaciones. Pero eso se presta a la exposición de su propio tipo de encanto. Con sólo a sí mismo para la compañía, sin fin inventiva personalidad artística de Picasso parece tanto más bruisingly poderoso. En cualquier caso, Picasso utilizó el arte del pasado en tantas formas que ningún exposición podría hacer más que rascar la superficie del objeto. Sus variaciones sobre la obra de otro artista podría ser un monólogo o una conversación con un amigo. En otras ocasiones se fue a sus predecesores en busca de ayuda y apoyo moral, como lo hizo en los años 1930 y 1940, los años de Guernica y El Osario, de repente mirando a Goya en busca de inspiración. No hay reglas duras y rápidas.

Espectáculo de la Galería Nacional de trata al artista como si fuera un solo hombre museo, o una sola persona la historia del arte, que es probablemente igual de Picasso hubiera querido. Habitación por habitación, se trabaja a través de los diferentes géneros, sin embargo, debido a que cada galería se extiende más o menos toda su carrera, con todos sus cambios de velocidad y dirección, la secuencia de imágenes nunca es predecible. Auto-retrato es el tema de la primera galería, que marca las pautas. Un momento Picasso está en el pueblo campesino de Gósol, en 1906, pintando a sí mismo con ojos negros y una máscara similar a la expresión - el pensamiento, en la misma medida, sobre la llanura de Cézanne y la impasibilidad hierática de la antigua ibérica y el arte africano. De repente es 1938 y que se ha transformado en una versión de cómic de Van Gogh, con un sombrero de paja viva y sacando la lengua de color verde brillante a lamer el helado de cucurucho agarrado en la mano azul brillante. En un instante se ha vuelto a cambiar, becoing un viejo desgraciado besar a su amante voraz.

La exposición es un recorrido en zigzag, de saltos y bandazos improvisados por carrera increíblemente fértil de Picasso. El viaje pasa de autorretratos desnudos, a partir de desnudos a las musas, de las musas a las naturalezas muertas y más allá. Picasso pinta Olga, su esposa inmediatamente después de la Primera Guerra Mundial, como si fuera Ingres y ella eran una majestuosa matrona. Luego se pinta su nueva chica, Marie-Thérèse, como una fantasía surrealista de la sensualidad y la abundancia sexual - su cara es de dos caras, el sol y la luna, como si quisiera decir que en este momento se ha convertido en todo para él. Pero nada se queda quieto en este programa y en un abrir y cerrar de ojos, la montaña rusa ha ido todo el camino de vuelta al cubismo, el arte tan sutil del encantador de estremeció fragmentos, trozos de violín y el lanzador y fragmentos de papel de periódico, sentado en la mesa de café de la mente.

El efecto general es iluminador, o al menos sugerente, creando patrones impredecibles de todos estos fragmentos caleidoscópicos. El artista que no podía soportar la idea de pintar en un estilo era el mismo hombre inquieto que no podía soportar la idea de tener una sola mujer en su vida. El inventor del cubismo fue el mismo artista quien le encantaba jugar a ser esto o lo otro viejo maestro. Para ser un cubista es abrazar múltiples puntos de vista, mientras que para pintar un sinfín de variaciones sobre la obra de otros artistas es soñar con tener múltiples personalidades. Al final todos estos Picassos cosa, milagrosamente, se siente como uno. Hay algo patológico de la personalidad inquieta proteica del artista, que es el hilo a través de todo. Tal vez todo se reduce, en última instancia, a su terror de la muerte. Todo lo que hace es una furiosa contra la muerte de la luz. Picasso al pintor de desnudos crea monumentos funerarios con el espíritu de su eros. Picasso pintor de la naturaleza muerta, reflexiona sobre el cráneo y la vela canalones. Picasso el minotauro, rastreado hasta el centro de su laberinto, muestra los ojos muy abiertos de miedo.

Fecha: 01-03-2009  Ser propietario de la institución: La Galería Nacional  Publicación: Sunday Telegraph Comentarios 2004-2013  Tema: 20th Century

Equilibrio sobre los hombros del pasado

Por Robin Richmond

El último gran John Updike dijo una vez que "La fama es una máscara que se come en la cara". La sabiduría de este aforismo se hizo eco en mi cabeza como entré en las habitaciones subterráneas de la Galería Nacional de Sainsbury Wing. La convergencia de la fama, las máscaras y rostros es un ser embriagadora como este espectáculo investiga estos tres elementos en un sentido metafórico.

El primer cuarto, titulado Autorretrato, inspiró la realización viva de que es casi imposible en el primer mundo para ver la obra de Picasso y sin ideas preconcebidas acerca de su fama. Picasso adopta una máscara, ya sea cubista, clásico o (auto) mitológica - cuando "actuar" sus "variaciones" (su palabra) en el arte de sus "amos". En definitiva, a pesar de que la habitación 5, dedicado a Still Life sostiene el sorteo, en Picasso la cara es el modelo para todo lo que es humano, y todo lo que es humano le interesa.

Su cara es reconocible - a menudo no es el caso con el desfile de sus musas / amantes / modelos. El Salón de París, llamada "Picasso y los Maestros", puso su trabajan codo a codo con la obra original de sus grandes mentores. El título de la Nacional es apropiado para lo que conseguimos en Londres y no disminuye en mi mente por la obra de Picasso de pie por sí solo. Se nos da mucho más espacio para nuestro recuerdo de los Grandes Maestros. Menudo fascinante "falsos" recuerdos de Picasso se dan aire y el espacio. Su forma de alterar el significado de la pintura que admira es más convincente. Hay pequeñas reproducciones de obras de los Maestros a "comparar" con versiones de Picasso. Estos parecen casi como ideas de último momento y son tan pequeñas que parece superficial.

Vulnerabilidad de Picasso al elemento intrínsecamente tóxica de la fama parece haber sido mínima. Antes de siquiera mirar el arte en sí uno se encuentra pensando en el propio artista. La energía que rebota en las paredes como un niño hiperactivo. Uno se pregunta: ¿qué tiene que ser como para interesarse por todo lo que uno hace y saber que todo el mundo se sentirá de la misma manera? Saber que uno va a vender todo lo que se produce es una prueba real de la ética artística. Picasso, notoriamente larga vida, nunca quiso para un sujeto. Todo lo que tenía que hacer era mirar hacia atrás, y este espectáculo nos muestra espléndida en la que se veía y lo que hizo con el objeto de su curiosidad.

Polémico por etapas en estos cuartos agosto - más generalmente el escaparate para el canon, el reconocido universalmente "grandes maestros" - la obra de Picasso se ve muy a gusto en Sainsbury habitaciones del ala nacionales, que nunca se vio tan bien o tan luminosa. El Nacional parece bastante orgulloso de este golpe de Estado, e incluso una defensa poco sobre él (debe ser en el otro lado del río?), Pero la opción de mostrar Picasso por primera vez en la nacional es del todo coherente. Sesenta pinturas, muchas seminal en la gran obra de la más proteica de los hombres, cuentan una historia que tiene mucho sentido.

Ningún artista surge de la gran ningún lugar. La historia del arte es un acto de circo con cada artista en equilibrio sobre los hombros de sus predecesores. Nosotros no salimos de ver cómo Picasso canalizado, canibalizado, masticados y escupidos sus antecesores artísticos sienten engañados u ofendido. Nos motor a través de sus "variaciones" de El Greco, Poussin, Goya, Velázquez, Delacroix, Manet y Van Gogh haciendo muchas paradas en el camino, así como entender algo del gran problema (¿cómo un artista encontrar su inspiración?) entendemos más acerca de los artistas que estudia.

En el verano de 1957 Picasso trabajó en más de 50 versiones de Las Meninas de Velázquez, otra enigmática pintura, que representa a la corte española de Felipe IV de España en 1656. Una vez más, es la extrañeza inherente a la obra maestra de Velázquez que se revela en el gran cuadro de Picasso en el Museu Picasso de Barcelona. El sirviente enano es cruelmente transformado por Picasso en una figura monstruosa cara de luna. La Infanta es un niño de cómics en su cubista crinolina. El Rey y la Reina vislumbrado en el espejo se graffitied cifras de diversión. El elegante mastín hace un esbozo de favorito Lump dachshund de Picasso. La cifra que se avecina digna del artista en primer plano ya no es elegante pintor de la corte de Velázquez, sino una versión Edward Scissorhands de un Picasso doble perfil.

Autorretrato con peluca de 1897, pintado cuando Picasso tenía 16 años a la manera de Goya, es el primer trabajo en el espectáculo. Se trata de un hombre que parece contemplar el lienzo con una convicción total de que se encuentra en la plaza antes de la historia del arte. Él sabe en 1897 que pertenece a la National Gallery de Londres en 2009. No hay duda sobre eso. Fama le espera, pero no lo devorará.

El programa de impresión de acompañamiento no se puede perder. Aquí, vemos Cranach, Degas, Rembrandt y Manet estudiado, digerido y transformado. Como diestro en los complejos procesos de grabado, punta seca, litografía e incluso lino-corte, Picasso lleva a los maestros del género. Tanto la muestra nos dice que este valiente, arrogante, disciplinado, indignante, voraz, autoindulgente, sexistas, ingenuo y demasiado a saber, humano, impaciente, benigna, cruel, artista generoso desafía el pasado. Más importante que nunca para desafiarse a sí mismo.

http://www.aworldtowin.net/reviews/Picasso.html

PICASSO en la galería nacional de Londrés

Pablo Picasso (1881-1973), posiblemente el artista más influyente del siglo 20, enfrentó a sí mismo en contra de los más grandes maestros de la pintura europea en un diálogo artístico de toda la vida. 'Picasso: Challenging the Past' explora las formas en que tomó las inquietudes artísticas de los pintores del pasado e hizo audaces respuestas propias.

Picasso era un estudiante apasionado de la gran tradición de la pintura europea. El Greco, Velázquez y Goya son de importancia crucial para él, al igual que Rembrandt, Delacroix, Ingres, Manet y Cézanne. Todos estos artistas están representados por las grandes pinturas en la Galería Nacional.

Viendo alrededor de 60 obras del artista, esta exposición invita a los visitantes a volver a explorar la colección permanente de la Galería Nacional en vista de la fascinación de Picasso con los maestros antiguos.

La exposición fue organizada por temas, mostrando cómo Picasso regresó en varias ocasiones a los grandes temas de la tradición europea pintura, analizándolos como su estilo personal desarrollado en direcciones innumerables. Las secciones incluyen autorretratos, la tradición española del retrato masculino, el desnudo femenino, naturaleza muerta y la figura femenina sentada.

'Picasso: Challenging the Past "culminó con una exhibición de" Variaciones "de la artista que, al final de la vida, Picasso hace referencia directa a obras maestras como Velázquez" Las Meninas "y Manet" Déjeuner sur l'Herbe ", convirtiéndolos en" algo completamente distinto ".

Esta exposición ha sido organizada conjuntamente por la National Gallery de Londres y la Réunion des Musées Nationaux, Paris, con el apoyo especial del Musée National Picasso de París, junto con la exposición "Picasso et les maîtres 'en París, organizada por la Réunion des Musées Nationaux, Musée National Picasso, el Museo del Louvre y el Musée d'Orsay.

La gran exposición, "Picasso et les maîtres 'corrió en París del 6 octubre 2008 hasta 2 febrero 2009.

http://www.nationalgallery.org.uk/whats-on/past/picasso-challenging-the-past

Picasso en Londres  El último hijo de Saturno 

“Se encuentran actualmente abiertas tres exposiciones que por sí solas justificarían un viaje expreso a París. El Grand Palais, el Louvre y el Muséed? Orsay se distribuyen la exhibición de cuatrocientas obras de la herencia pictórica de Pablo Picasso.

Cerca de diez años de arduos trabajos y de persuasión fueron necesarios para lograr el préstamo de los más prestigiosos museos del mundo. París, Londres, Madrid, Barcelona, Nueva York, y de celosos coleccionistas privados, y para seleccionar y constituir garantías de seguridad para el transporte y el regreso de los cuadros, sanos y salvos, a sus sitios de origen; elaborar contratos y emitir pólizas, y, en fin, cuidar de todos los detalles exigidos por una meta de tal envergadura”.

Picasso, el último hijo de Saturno

Picasso se ha convertido en el primer artista del siglo XX en exponer en la National Gallery de Londres gracias a Picasso: Challenging the Past, una muestra que abre sus puertas y que, a través de 60 trabajos del pintor malagueño, pretende reinterpretar la colección permanente del museo bajo la nueva iluminación que brinda la mirada del maestro.

"Picasso nació viejo, como viejo era el siglo que le vio nacer. El siglo XIX fue un siglo glotón". Así comienza el libro que Jean Clair ha escrito recientemente sobre el pintor malagueño, Lección de abismo. Nueve aproximaciones a Picasso, y no encuentro mejor manera de entrar en materia que con esta advertencia al lector, ¡atención!, Pablo Picasso, considerado por todos el gran artista del siglo XX, es en realidad el último hijo de Saturno. Nacido en 1881, pasaría los primeros veinte años de su vida sumergido en la cultura del romanticismo. Dicen que los primeros años de vida son aquellos que nos determinan como persona, luego Picasso puede considerarse más que el primer grito de la vanguardia, el canto de cisne de una tradición figurativa que llevaba reinando desde el helenismo. Glotón por excelencia, su exceso de apetito acabaría casi en canibalismo.

El último hijo de Saturno

Debemos tener siempre presente que Pablo Picasso se formó en las más estrictas reglas de la pintura académica desde niño, con su padre José Ruiz Blasco, profesor en la Escuela de Bellas Artes y director del Museo de Málaga. Rodeado de estatuas y dibujos de la antigüedad, entabló desde el principio un diálogo con los artistas que él sentía aventajados, pero no puso sus ojos en aquellos que acudían a las clases de su padre. Velázquez, Goya y Tiziano estaban más a su altura.

¿Cómo podía medirse este niño que casi no levantaba un palmo del suelo con los grandes pintores del realismo español y con los mejores artistas de todos los tiempos?

No podemos saber cómo, pero sabemos que así era, el mismo Picasso comentaba que a la edad de 15 años pintaba como Rafael. Pero como el hombre se caracteriza por desear siempre lo que no posee, y sin lugar a dudas la vida de Picasso estuvo marcada por el deseo, la presión del genio que nunca pintó como un niño, sino como un maestro, le llevó pronto a desandar el camino y desaprender lo aprendido. Camino que le llevaría toda una vida recorrer, algo que ya vio muy pronto Apollinaire y de lo que dejó constancia en Los pintores cubistas.

Este intento de dar la espalda al pasado le llevaría a la más radical de las innovaciones formales, el cubismo, que daría paso al arte moderno. Picasso como puerta, pero sin llegar nunca a cruzar el umbral, dos años después de crear con Braque el cubismo, y justo cuando la fórmula se extendía como la pólvora por París, el malagueño se marchó a Roma para descubrir la Grande Maniere.

Picasso, el gran caníbal

Picasso no cruzaría nunca el umbral, amante de la pintura figurativa y de la carne, nunca dejó de lado las formas. La abstracción resultaba demasiado sacrificada, había que dejar el cuerpo por el camino, y muchos otros caerían con él: Ingres, Velázquez, Poussin, etc. Nunca pudo perder de vista a los maestros, en realidad nunca perdió nada de vista, los famosos ojos de Picasso, negros y penetrantes estaban siempre esperando captar la siguiente señal, el momento justo para coger los pinceles y trabajar.

Roger Caillois decía de Picasso que era el "gran liquidador", pero tiene razón Jean Clair al afirmar que se trata más bien del "gran recapitulador", ya que logró resumir en su obra todo el legado "hasta convertirse en legado mismo".

El malagueño mantuvo un diálogo continuo con la gran tradición de la pintura, combinando a la perfección la faceta de transgresor de las formas establecidas y la de artista académico y brillante.

Me atrevería a calificar a Picasso de Rey Midas de la pintura, ya que tenía la cualidad de volver oro todo aquello que tocaba. Cuando algo captaba su atención, lo engullía, lo poseía y volvía a darle forma, y lograba así volverlo más fuerte y más definitivo que antes. Pero por mucho que rompiese en mil pedazos algo para volver a componerlo, las piezas originales siempre se encuentran ahí, donde estaban, puede que desordenas, desubicadas o fuera de contexto, pero tal como sucede con muchas pinturas cubistas, presentes y bien a la vista.

Picasso y los maestros

Picasso juega y nos invita a jugar, se trata casi del escondite, permitiéndonos así encontrar a Ingres tras el Retrato de Gertrude Estein; a Zurbarán en un Homme á la guitarre; y a Manet y Velázquez tras miles de desnudos.

Picasso, una vez hubo aprendido a pintar como un niño, o una vez aceptado su genio, decidió regresar al principio, pero esta vez sin andarse por las ramas, un eterno retorno que le llevó entre 1954 y 1962 a la realización de una serie de variaciones en torno a Le Déjeûner sur l' Herbe, de Manet; las Mujeres de Argel, de Delacroix; y Las Meninas, de Velázquez. El genio se enfrenta al genio en una lucha sin tregua, en la que no queda muy claro quién es el vencedor y quién el vencido.

Les invito a que juzguen por si mismos, Londres nos brinda la oportunidad de hacerlo gracias a Picasso: Challenging the Past. Pasen, vean y juzguen, aunque el hecho de que la muestra la acoja la National Gallery y no la Tate Modern ya lo dice todo, y si esto no es suficiente, contamos con el propio Picasso para reafirmar lo escrito.

"Ce sont nous, les peintres, les vrais héritiers, ceux qui continuent à peindre. Nous sommes les héritiers de Rembrandt, Velázquez, Cézanne, Matisse. Un peintre a toujours un père et une mère, il ne sort pas du néant"

Leticia Fernández-Fontecha

http://www.laondadigital.com/laonda/laonda/427/C42.htm